La Corrida is one of the masterpieces of Francis Picabia's so-called "war" period. Painted in 1941, this great bullfighting scene gives the artist a setting that is both excessive in terms of what he masters perfectly (flamboyant chromaticism of the golds and reds; almost cinematographic virtuosity of the composition which goes from everything to its opposite: from immobility to dance, from solitude to crowds, from shadow to light; tour de force and mystery of a fresco populated by characters without faces but without masks either) and of the revolution he is preparing. Established near Cannes in Golfe-Juan since the beginning of the Second World War, Picabia developed a new, resolutely figurative aesthetic, reproducing on canvas photographic elements found in cheap magazines of the t.mes . This artistic approach, as original as it was long misunderstood even by the artist's enthusiasts, drew on popular culture to reinvent a new avant-garde. Picabia thus opened the way to Pop Art of course, but also to the great names of appropriation art such as Robert Rauschenberg, Gerhard Richter or Richard Prince. Through its autobiographical stakes (an ode to the Spain of his origins, competition with Picasso), through the singular place that this painting occupies in a series dominated by Nudes, La corrida stands out as a founding painting, sumptuous and fascinating.

In La Corrida, Picabia has the audacity of relegating the couple of the Matador and the bull to the middle ground, even affording himself the luxury to hide the victim of the sacrifice that everyone has come to see, the bull. Picabia gives the leading role in his composition to a character usually devoted to working in the shadow of a bullfight: it is a Picador, seen from behind, into the saddle, away from the track, but ready to help the matador with his pick in hand if he gets into trouble. The leading roles and the extras are reversed. Picabia thus turned his back on the canons of a modernism to which he himself had devoted himself body and soul since his beginnings - and which he interpreted as a certain conformism some thirty years later - and would henceforth attach himself to a painting of figuration: an art without art, images painted from photographic sources never revealed by the artist during his lifet.mes , an imposture, a make-up theft that would not show its true face, like the picador in our painting. This was the true radicalism that Francis Picabia undertook to confront with his war paintings, such was the Toro for which he wanted to go back to the arena. Presented to the public for the first t.mes at an exhibition at the Galerie Séguy in Cannes in 1941 (where La Corrida was exhibited), Picabia's new creations were particularly negatively received: anti-modern, retrograde, in bad taste, without aura or even flirting with a certain Nazi aesthetic. This hostility persisted long after the artist's death. In 1970, a Picabia retrospective at the Guggenheim censored his last period in its entirety. In 1976, admirers and denigrators of the painter clashed over the presence of seven figurative paintings from the war years (including La Corrida) at the great Picabia exhibition at the Grand Palais. It wasn't until the 1980s and the numerous exhibitions that critics re-evaluated this production. The art historian Robert Rosenblum described it as "a rebellious dissatisfaction with idées reçues of modern art's hierarchy" (quoted by M. Cone in Mary Boone / Michael Werner Gallery New York, Picabia, 1983, exhibition catalog, pp. 226-227). A solar masterpiece, La Corrida (whose photographic sources were never identified) confirms Francis Picabia as one of the most influential artists of the twentieth century, today celebrated by artists and art historians alike for his iconoclastic force as well as for his ability to create images of absolute singularity.

La Corrida est l’un des chefs-d’œuvre de la période dite ''de guerre'' de Francis Picabia. Peinte en 1941, cette grande scène de tauromachie offre à l’artiste un décor à la démesure de ce qu’il maîtrise parfait.mes nt (chromatisme flamboyant des ors et des rouges ; virtuosité presque cinématographique de la composition qui passe de tout à son contraire : de l’immobilité à la danse, de la solitude à la foule, de l’ombre à la lumière ; tour de force et mystère d’une fresque peuplée de personnages sans visages mais sans masques non plus) et de la révolution qu’il prépare. Etabli près de Cannes à Golfe-Juan depuis le début de la Seconde Guerre mondiale, Picabia y développe une nouvelle esthétique résolument figurative, reproduisant sur la toile des éléments photographiques trouvés dans des magazines bon marché de l’époque. Cette démarche artistique, aussi originale que longtemps incomprise - même des amateurs de l'artiste -, puisait dans la culture populaire pour réinventer une nouvelle avant-garde. Picabia ouvrira ainsi la voie au Pop Art bien sûr, mais aussi aux grands noms de l’appropriation art tels Robert Rauschenberg, Gerhard Richter ou Richard Prince. Par ses enjeux autobiographiques (ode à l’Espagne de ses origines, compétition avec Picasso), par la place singulière que ce tableau occupe dans une série majoritairement dominée par des Nus, La Corrida s’impose comme un tableau fondateur, somptueux et fascinant.

Dans La Corrida, Picabia a l’audace de reléguer le couple du Matador et du taureau à un plan secondaire, s’offrant même le luxe de dissimuler la vict.mes du sacrifice que tout le monde est venu voir, le taureau. Picabia donne le premier rôle de sa composition à un acteur habituellement dévolu au travail de l’ombre d’une corrida : il s’agit d’un Picador, vu de dos, en selle, à l’écart de la piste, mais prêt à porter secours, le pic à la main, au matador en éventuelle difficulté. Les premiers rôles et les figurants sont inversés. Picabia tourne ainsi le dos aux canons d’un modernisme auquel lui-même s’était voué corps et âme depuis ses débuts - et qu’il interprétait comme un certain conformisme quelque trente ans plus tard - et va désormais s’attacher à une peinture de figuration : un art sans art, des images peintes provenant de sources photographiques jamais révélées par l’artiste de son vivant, une imposture, un vol maquillé qui ne montrerait pas son vrai visage, comme le picador de notre tableau. Telle était la véritable radicalité que Francis Picabia entreprit d’affronter avec ses tableaux de guerre, tel fut le Toro pour lequel il voulut revenir dans l’arène. Présentées au public pour la première lors d’une exposition à la galerie Séguy à Cannes en 1941 (où La Corrida fut montré), les nouvelles créations de Picabia reçurent un accueil particulièrement négatif : antimodernes, rétrogrades, mauvais goût, sans aura ou même flirtant avec une certaine esthétique nazi. Cette hostilité persista longtemps après la mort de l’artiste. En 1970, une rétrospective Picabia au Guggenheim censure sa dernière période intégralement. En 1976, les admirateurs et les contempteurs du peintre s’affrontent sur la présence de sept tableaux figuratifs des années de guerre (dont La Corrida) lors de la grande exposition Picabia au Grand Palais. Il fallut attendre les années 80 et de nombreuses expositions pour voir la critique réévaluer cette production. L’historien d’art Robert Rosenblum la décrira comme ''a rebellious dissatisfaction with idées reçues of modern art’ hierachy'' (cité par M. Cone in Mary Boone / Michael Werner Gallery New York, Picabia, 1983, catalogue d’exposition, pp. 226-227). Chef d’œuvre solaire, La Corrida (dont les sources photographiques ne furent jamais identifiées) confirme Francis Picabia comme l’un des artistes les plus influents du XXe siècle, aujourd’hui célébré par les artistes comme par les historiens d’art autant pour sa force iconoclaste que pour sa capacité à créer des images d’une absolue singularité.